MADMi - Museo de Arte y Diseño de Miramar

La exhibición BORICUAS incluye obras de la colección de arte contemporáneo del Instituto de Cultura Puertorriqueña representativas del desarrollo de la historia del arte puertorriqueño. La selección de obras presentadas cubre alrededor de 60 años de producción plástica y representan a una diversidad de generaciones de artistas y movimientos que van desde exponentes como Carlos Raquel Rivera de la Generación del 50 hasta la actualidad, donde las preocupaciones pueden verse como menos insulares, siempre expresando nuestra identidad puertorriqueña. ‍ Los artistas plásticos fungen como cronistas de su tiempo, contadores de historias que capturan el sentir de su realidad y de las costumbres que les rodean. En el caso de Puerto Rico esas ansias de plasmar un arte que nos retratara comenzaron con el gran Francisco Oller, el cual sentó los parámetros de un arte de temas netamente puertorriqueños con sus pinturas de paisajes y bodegones tropicales que claramente eran de nuestro terruño, y con el propósito de validar que eran tan dignos que cualquier ejemplar de sus colegas europeos. ‍ Esta tradición de plasmar una identidad puertorriqueña y caribeña se ha continuado evolucionando a través de las décadas y en múltiples manifestaciones en las artes. Nuestro archipiélago será pequeño pero las maneras de sentirse boricua son muchas y no se limitan a una imagen idealizada del jíbaro blanco y la vida en el campo. Venimos en todos los colores y nuestra historia es larga y complicada. Por lo tanto, nuestros artistas plásticos captan y nos presentan esas múltiples maneras de ser boricua desde la montaña, la costa y la ciudad, que puede bien ser San Juan, Ponce, Nueva York o Chicago.

Reune la obra de 27 artistas que crean con materiales arruinados, ponen sus cuerpos en espacios derruidos, o representan un paisaje abandonado haciendo visibles las consecuencias de un desarrollo sin planificación. El concepto de la ruina es polisémico, sobre todo en Puerto Rico, pues la ruina física acompaña la ruina fiscal y política. En estas piezas artísticas la arquitectura, la construcción y los objetos cotidianos tienen un rol protagónico. ‍ La construcción y la arquitectura han sido sinónimo de progreso, desarrollo y modernidad en nuestra isla. Los artistas en esta muestra representan la diversidad de las ruinas de nuestro entorno que incluye arquitectura doméstica y edificios públicos por igual. Sus obras nos obligan a plantearnos preguntas difíciles sobre el valor de la construcción frente al medioambiente, o incluso la noción de para quién(es) es el progreso. ‍ El cuerpo humano aparece esporádicamente en las performances y algunas fotografías, habitando las ruinas. Pero la mayoría de las obras presentadas muestran un decoro extraordinario, logrando que los espacios evoquen nuestra presencia. Los materiales utilizados en algunas obras nos recuerdan que habitamos esa precariedad y transforman objetos desechados en materia prima. ‍ Las ruinas son peligrosas. Pueden hacer de la pobreza un espectáculo, o peor aún, volverse en una visualidad de consumo: una imagen para compartir en las redes sociales. Los espacios arruinados también se prestan para narrativas nostálgicas del tipo “cualquier tiempo pasado fue mejor”. Para algunos son espacios de oportunidad que generan cambios radicales; a veces para monetizar el espacio y otros para transformarlo. Muchos de nuestros artistas se preocupan por generar ese sentido de transformación no solo en sus obras, que contienen un germen político, sino también a través de la creación de entidades sin fines de lucro, intervenciones en sitios públicos e iniciativas comunitarias que incluyen talleres y espacios de exhibición.

Entre los pensamientos utópicos y vanguardistas de las filosofías del modernismo (c. 1860-1960) estaba la convicción de que los objetos utilitarios no solo debían ser prácticos y funcionales, sino también bellos. Hallando inspiración en la pureza de la geometría y la tendencia a la estilización y la optimización (“streamlining”), empezaron a producirse objetos que se destacaban por la belleza de su diseño y manufactura, dado el razonamiento de que el orden impartido en el buen diseño era esencial para transformar los ideales sociales y concretar cambios positivos en la sociedad. Excelentes ejemplos de esta filosofía resultan ser la ventana diseñada por Antonín Nechodoma en el estilo estadounidense llamado “prairie style” y las tostadoras modernas pertenecientes a la Colección del Lic. Alfredo Martínez-Álvarez. Igualmente se destacan los tres dibujos de muebles modernos del diseñador industrial Duncan del Toro para producirse con materias primas nativas de la isla, la butaca ARKLU diseñada y producida por los arquitectos Henry Klumb y Stephen Arnesson, y los dibujos esquemáticos de prendas de lujo que hizo el artista y diseñador Lorenzo Homar para la Casa Cartier. Todos estos diseños fueron creados durante la década de 1940, cuando Puerto Rico comenzó sus esfuerzos de modernización, de modo que comparten las características de estilización y eficiencia de la estética de su época. El conjunto creativo de Duncan del Toro, Henry Klumb y Stephen Arnesson, quienes colaboraron en proyectos para el Comité de Diseño de Obras Públicas del gobierno de Puerto Rico, refleja las interacciones que dieron su razón de ser al MADMi: desde el trinomio afectivo y profesional compuesto por Eduardo Méndez Bagur y los licenciados Rafael Martínez-Álvarez y Alfredo Martínez-Álvarez, cuyo deseo de dejar un legado cultural a Puerto Rico redundó en este museo, hasta los artistas contemporáneos que convirtieron la casa de Cuevillas 607 en sus talleres. Asimismo, el ideal interdisciplinario se manifiesta en la relación simbiótica de artes plásticas, diseño y artes decorativas que se investiga y exhibe como parte de la misión educativa del MADMi.

Desde que conceptualizamos el Museo de Arte y Diseño de Miramar nos dimos a la tarea de educar sobre la importancia del diseño y sus diversas disciplinas en el funcionamiento óptimo de nuestra cotidianidad. A partir de nuestra inauguración, hemos presentado varias exhibiciones de diseño, pero no es hasta ahora que presentamos esta segunda edición de TODOS a TODO con una nueva selección de objetos y de diseñadores que representan las distintas escuelas estéticas, sus métodos y materiales, al igual que una amplia variedad de procesos creativos, desde formas artesanales hasta la exploración de las nuevas tecnologías. ‍ Todos nos sentimos cómodos, seguros y hasta contentos cuando tenemos experiencias en espacios eficientes o cuando utilizamos objetos cuyas funciones no solo nos facilitan tareas, si no que las mismas se resuelven con eficacia y elegancia. Estas afinidades han redundado en que estamos viviendo un momento muy prolífero en la escena del diseño local, con varias generaciones enfocadas en crear objetos de alta ejecución, pero con un mensaje contundente de que el buen diseño y su filosofía de facilitar la calidad de vida son para todos. ‍ Solemos asociar el diseño con el lujo o la gran escala, y pasamos por alto la multitud de objetos que fueron creados precisamente para facilitar nuestra vida cotidiana. Su ubicuidad hace que lo demos completamente por sentado y olvidemos cuánto de lo que vivimos o usamos para vivir ha sido pensado y creado por otros. ‍ Es por esta razón que la exhibición se despliega a través de tres salas con enfoques distintos: inicia con un espacio lúdico e íntimo que refuerza el vínculo entre los diseñadores y los objetos que diseñan para atender las necesidades de nuestras vidas —en la playa, el hogar o el trabajo—, y culmina con espacios más formales que presentan objetos depurados y minimalistas. ‍ En fin, ¿Por qué TODOS A TODO DOS?... Porque estos profesionales necesitan más visibilidad y apoyo para sus producciones, ya sea institucional, privado o gubernamental. Porque, si como país no fomentamos estas mentes creativas que resuelven problemas reales diariamente, con el fin de una sociedad funcional y efectiva, corremos el riesgo de quedarnos atrás. Y porque necesitamos más perspectivas, donde las alternativas y las soluciones poseen posibilidades infinitas. ‍